Titanic

FICHA ARTÍSTICA: Dirección: James Cameron
                                     Reparto: Leonardo Di Caprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates...
                                     Guión: James Cameron
                                     Música: James Horner
                                     Fotografía: Russell Carpenter
PRODUCTORA: Paramount Pictures y 20th Century Fox
GÉNERO: Drama-Romántico
AÑO: 1997
PREMIOS: 11 Premios Oscar, en las categorías de película, dirección, dirección artística, fotografía, vestuario, efectos visuales, montaje, banda sonora, canción, sonido y edición de sonido. Además ganó 4 Globos de Oro.

SINOPSIS: Jack (Di Caprio) consigue un pasaje de tercera clase a bordo del Titanic hacia América. En él conoce a Rose (Kate Winslet), que contraerá matrimonio de conveniencia con el millonario Cal (Billy Zane). Tras tratar de suicidarse, Jack y Rose tendrán un amor imposible mientras el transatlántico se encamina hacia el iceberg, su fatídico destino.

CRÍTICA: Ya comentamos que hay tres películas que ostentan el récord de 11 Oscar: Ben-Hur, Titanic y El señor de los anillos: El retorno del rey. Sin embargo, valorar una película solo por los premios obtenidos es un error grave. De hecho, comparar una obra culmen de la Historia del Cine, como Ben-Hur, con Titanic resulta una ofensa.
    James Cameron es un director que está especializado en dirigir cintas de gran presupuesto, algunas de ellas muy comerciales. Destacan en su filmografía Terminator (1984), Aliens, el regreso (1986), El secreto del abismo (1989), Terminator 2 (1991) o Avatar (2009). En Titanic, Cameron busca ante todo una cinta muy comercial y dirigida a un tipo específico de público (sobre todo de pañuelo fácil). Como dato positivo de su dirección destaca la gran coordinación que hace con tal cantidad de dinero, ya que no es fácil dirigir una superproducción, aunque desde fuera pueda parecer muy sencillo.
    El reparto está encabezado por Di Caprio y Winslet. Leonardo Di Caprio hace en esta película una interpretación muy infantil, como por otra parte es lógico dada su temprana edad y lo pasteloso del guión. Sin embargo, sobre todo a raiz de su colaboración con Martin Scorsese, que comenzó en 2002 con Gangs of New York, logró madurar como actor y llegar a ser lo que es hoy: un actor consolidado como uno de los mejores en activo. Pero en esta película, evidentemente, no lo demostró.

    Kate Winslet está algo por encima en esta cinta, pero tampoco brilla. Nuevamente debemos decir que esta actriz maduraría a su vez, llegando en toda su carrera a estar nominada 6 veces al Oscar, ganándolo en 2008 por The reader, de Stephen Daldry.
    Hablando del guión, es probablemente lo peor de la película. Muy infantil y pastelado, no hay por dónde cogerlo.
    Sin embargo, el gran acierto, para mi, de la película es su banda sonora, compuesta por James Horner. También la canción principal, My heart will go on, del propio Horner e interpretada por Céline Dion. La fotografía está bastante cuidada.
    Como muestra del carácter comercial de la cinta, contó con 200 millones de dólares, siendo la película más cara de la Historia en su estreno, y recaudó más de 2100 millones en todo el mundo.
   
    Con todo esto, hay que decir que la película, aunque tiene algunos aspectos buenos, haciendo un balance general, es bastante deficiente, aunque pueda entretener a un público en su mayoría adolescente.


    CALIFICACIÓN: REGULAR

Ben-Hur

FICHA ARTÍSTICA: Dirección: William Wyler
                                     Reparto: Charlton Heston, Jack Hawkins, Stephen Boyd, Hugh Griffith, Haya Harareet
                                     Guión: Karl Tunberg, basado en la novela del general Lewis Wallace
                                     Música: Miklos Rozsa
                                     Fotografía: Robert Surtees
PRODUCTORA: Metro Goldwyn Mayer
GÉNERO: Aventuras-Épico
AÑO: 1959
PREMIOS: 11 Premios Oscar, en las categorías de película, dirección, actor (Heston), actor de reparto (Griffith), dirección artística, fotografía, vestuario, efectos visuales, sonido, banda sonora y montaje.
Además, se hizo con otros premios, como un Globo de Oro a la mejor película dramática.

SINOPSIS: La acción se desarrolla en tiempos de la ocupación romana de Judea, entre los emperadores Augusto y Tiberio. Judah Ben-Hur (Charlton Heston) es un príncipe judío de conducta irreprochable, y Messala (Stephen Boyd), el recién nombrado tribuno de la provincia. Ambos eran casi como hermanos durante su infancia, pero cuando Messala le pide a Judah que delate a algunos compatriotas partidarios de la violencia y este se niega, la amistad se transforma en un odio profundo entre ambos. Además, la historia tiene como telón de fondo la vida y la Pasión de Jesucristo.

CRÍTICA: Para valorar objetivamente esta enorme película, no podemos centrarnos solo en la enorme cantidad de Premios Oscar logrados. De hecho, ostentó el récord en solitario hasta 1997, cuando Titanic, de James Cameron, le igualó. En 2003, Peter Jackson también lo lograría por El señor de los anillos: El retorno del rey. En este caso, los 11 Oscar de Ben-Hur están más que merecidos, premiando así a una de las mejores películas de la Historia.

    El director Wyler realiza un trabajo extraordinario. No era nada fácil dirigir una superproducción de tal magnitud. Solo gente como él o David Lean eran capaces de coordinar tal cantidad de operarios, técnicos, extras (más de 15000), actores profesionales, además de saber sobreponerse a imprevistos inevitables en un rodaje tan largo y complicado. Y es que el director de filmes como Jezabel (1938), Cumbres borrascosas (1939), La señora Miniver (1942), Los mejores años de nuestra vida (1946), Vacaciones en Roma (1953) u Horizontes de grandeza (1958) era todo un maestro. Y se vio recompensado con 3 Premios Oscar y otras 11 nominaciones. En esta película, cada escena es monumental, cada plano, bien pensado (Wyler era muy perfeccionista), y cada emoción, elegida.
    El reparto es encabezado por Charlton Heston, gran actor, que participó en películas como Cuando ruge la marabunta (Byron Haskin 1954), Los diez mandamientos (Cecil B. DeMille, 1956), Sed de mal (Orson Welles, 1958), Horizontes de grandeza (William Wyler, 1958), El Cid (Anthony Mann, 1961), 55 días en Pekín (Nicholas Ray, 1963), La historia más grande jamás contada (George Stevens, 1965), El tormento y el éxtasis (Carlo Reed, 1965), El planeta de los simios (Franklin Schaffner, 1968), Los tres mosqueteros (Richard Lester, 1973) o Hamlet (Kenneth Branagh, 1996).

    Heston es un gran actor especializado en personajes épicos, aunque no reducidos únicamente a ellos. Es capaz de dotarles de un fuerte carácter heroico, como es el caso de Ben-Hur, un personaje que es un héroe. Para el papel se barajaron otros nombres, como Paul Newman, Marlon Brando o Burt Lancaster, pero, más de 50 años después, es impensable otro Ben-Hur que Heston. Hombre trabajador y responsable, acabó harto de divas como Ava Gardner o Sophia Loren por su impuntualidad, exigencias y niñeces. Además, salvó en otras ocasiones a directores como Orson Welles en Sed de mal, donde la productora ´planeaba expulsar a Welles y Heston aseguró que, de irse Welles, él también se iba. O casi mejor, a Sam Peckinpah en Mayor Dundee (1965), donde, a pesar de discutir fuertemente con el director, llegó a renunciar a todo su sueldo con tal de que Peckinpah continuara en el proyecto. Su vinculación con la Asociación Nacional del Rifle afeó su imagen, pero no su carrera y su espíritu responsable y trabajador.
    El reparto lo completan Stephen Boyd interpretando a Messala, y secundarios de lujo como Jack Hawkins o Hugh Griffith. Interpretaciones muy sólidas para papeles exigentes.
    La adaptación de la novela de Lewis Wallace es muy buena, aunque algunos detalles de la novela se hayan cambiado o adaptado. En cualquier caso, los diálogos son elaboradísimos, adaptados a la trama épico-heroica de la historia, solemnes y magníficos. Como magnífica es también la música de Miklos Rozsa, épica como pocas se han hecho en el cine. El vestuario, la fotografía... todo espectacular en esta gran película.

    Hay escenas extraordinarias, como la batalla naval o la entrada triunfal a Roma, pero pocas pertenecen a la Historia del cine como la carrera de cuádrigas. Para ello, se construyó en Italia un circo con capacidad para más de 10000 extras que asisten como espectadores en la película. Wyler contó con el director Andrew Marton para rodar esta arriesgada escena, que requirió más de tres meses. Heston y Boyd tuvieron que aprender a manejar las cuádrigas, aunque varios dobles les ayudaran en el rodaje.
    Con un presupuesto de 15,9 millones de dólares (astronómico para la época), recaudó 70 millones en los Estados Unidos y otros 90 millones en el resto del mundo. Vamos, éxito arrollador.

   Más que aconsejable, IMPRESCINDIBLE.




CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA

El tren de las 3:10

FICHA ARTÍSTICA: Director: James Mangold
                                     Reparto: Christian Bale, Russell Crowe, Peter Fonda, Ben Foster
                                     Guión: Halsted Welles, Michael Brandt y Derek Haas
                                     Música: Marco Beltrami
                                     Fotografía: Phedon Papamichael
PRODUCTORA: Lionsgate Films
GÉNERO: Western
AÑO: 2007
PREMIOS: Nominaciones al Oscar por la música y el sonido.

SINOPSIS: Ben Wide (Russell Crowe) es el líder de una peligrosa banda que asalta con frecuencia el dinero del ferrocarril. Es capturado y dispuesto para conducirle a la prisión de Yuma. Dan Evans (Christian Bale), un granjero con dificultades económicas, se ve forzado a colaborar en ello para mantener a su familia. Pero la banda de Wide e innumerables peligros no harán nada fácil que lleguen a Yuma...

CRÍTICA: Readaptación de la película homónima de 1957 de Delmer Daves, protagonizada por Glenn Ford.
    Esta película sorprendió a crítica y público con una acción trepidante y un reparto de lujo. El director, James Mangold, hace seguramente la mejor película de su carrera. Se nota una cuidadísima elección de planos, difíciles secuencias de persecuciones de caballos y la genial organización del reparto, tanto principales como numerosos secundarios. Todo esto no hacía fácil el rodaje, pero Mangold resuelve con destreza.
    En cuanto a actores se refiere, es un gran reparto. Ya hemos hablado en Gladiator (Ridley Scott, 2000) de Russell Crowe, por lo que nos centraremos en su papel en esta película. Bien es cierto que aparece un tanto fondón, ya que para su papel de Jack el Afortunado en Master and Commander (Peter Weir, 2003) se le exigió engordar cerca de 20 kilos, y aún se le notaban encima. Sin embargo, está más que convincente en su papel de Ben Wide, un personaje complejo y sanguinario al que, en algún momento puntual, no le falta compasión.

    Christian Bale da vida al granjero Dan Evans. El actor se estrenó en 1987 de la mano de Steven Spielberg cuando aún era un niño, con El imperio del sol. Desde entonces ha madurado mucho, y destaca con interpretaciones en American Psycho (Mary Harron, 2000), Batman Begins (Christopher Nolan, 2005), El truco final (Christopher Nolan, 2006), El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008), Enemigos públicos (Michael Mann, 2009) o The Fighter (David O. Russell, 2010). Por esta último ganó el Oscar y el Globo de Oro. Su personaje en El tren de las 3:10 es además veterano de la Guerra de Secesión y un buen tirador, y con frecuencia se preguntará si en realidad merece la pena arriesgarse a morir por una misión casi suicida. Gran interpretación.
    Otros actores secundarios completan el elenco actoral, como el veterano Peter Fonda, hijo del gran Henry Fonda, o Ben Foster, encarnando a la mano derecha de Wide en la banda.
    La fotografía que recrea los paisajes de Arizona es excelente, así como la banda sonora, que aporta tensión y una gran ambientación para el duelo final, seguramente la mejor escena de la película.

   Es una película muy entretenida, que gustará a los aficionados de western y la acción. Para el que no sea especialmente aficionado al western, que le dé una oportunidad y la vea, porque seguro que le sorprende y le gustará. Más que aconsejable.

CALIFICACIÓN: EXCELENTE

Reservoir dogs

FICHA ARTÍSTICA: Director: Quentin Tarantino
                                     Reparto: Harvey Keitel, Steve Buscemi, Tim Roth, Chris Penn, Michael Madsen, Lawrence Tirney, Quentin Tarantino, Eddie Bunker.
                                     Guión: Quentin Tarantino
                                     Música: Varios (canciones de los años 70)
                                     Fotografía: Andrej Sekula
PRODUCTORA: Live Entertainment
GÉNERO: Gangsters
AÑO: 1992
PREMIOS: Sitges al mejor director y mejor guión, así como premios varios en festivales de cine independiente.

SINOPSIS: Un grupo de gangsters con sobrenombres de colores y que no se conocían previamente entre sí son contratados para llevar a cabo un gran golpe en una tienda de diamantes. Pero el golpe sale mal, hay muertos, heridos, desaparecidos, y existen sospechas de que uno de ellos es un traidor...

CRÍTICA: Esta película se ha convertido por méritos propios en un film de culto para millones de espectadores en todo el mundo. Y es que nada parecía suponer en 1992 que un tal Tarantino iba a cambiar el cine con esta película y con las que siguen en su filmografía.
    La estética de Tarantino se basa en guiones complejos, diálogos duros, escenas de violencia abundante y de un cuidado montaje. Esta película resume perfectamente su estética, y es un claro ejemplo de su forma de entender el cine. Esto está tomado en gran parte del spaghetti western, del que Tarantino es gran aficionado, en particular del que considera su maestro, Sergio Leone, director de la que considera "la película mejor dirigida de la Historia", y su película preferida. De hecho, Tarantino estrenará entre finales de 2012 y principios de 2013 Django Unchained, un spaghetti western  que seguro que estará a la altura de los fans de Tarantino.
    Para este trabajo, Tarantino contrató a Harvey Keitel, actor de relevancia en la década de los 70 y un tanto desaparecido desde entonces. Tarantino le recupera para la fama, volviendo a colaborar juntos en 1994 con Pulp Fiction. También lanzó a la fama a Tim Roth y a Steve Buscemi, poco conocidos por entonces. Contó con la veteranía de Lawrence Tirney como el jefe de la banda, y se reservó un papel secundario para sí mismo. Hay que decir que todos bordan sus trabajos.
    Tarantino volvió a darnos grandes películas como director, como Pulp Fiction (1994), Four Rooms (1995), Jackie Brown (1997), Kill Bill (Vol. I y II) (2003, 2004), Sin city (2005), Death Proof (2007) o Malditos Bastardos (2009).

    Es impresionante cómo es capaz, en cuanto a guión se refiere, de concentrar la acción de la mayor parte de la película en una misma sala. Algo que podría, así dicho, parecer cansino termina siendo un acierto genial, ya que el tratamiento que Tarantino hace del espacio es técnicamente perfecto, ya que sabe alternar momentos de clímax con calma argumental y dialéctica, con lo que nunca se hace repetitivo. Otro aspecto de este guión de 10 es que la acción no sigue una estructura lineal, sino que da numerosos saltos hacia alante y atrás en el tiempo, con complejidad, pero que no resulta apabullante. Por último, los diálogos son magníficos, repletos de menciones a las películas que le encantan a Tarantino, como La gran evasión (John Sturges, 1963), así como alguna referencia a Lee Marvin. Todo esto hace de este un guión modélico.
    La música que acompaña a la película es un compedio de canciones de los 70, muy mencionados en el filme, tales como Little green bag, de Georges Baker.
   Esta película contiene algunas escenas memorables, como la inicial, en la que los protagonistas charlan mientran desayunan (con temas alejados de la acción, como las propinas, que se hacen muy entretenidos), la escena en la que marchan para el trabajo (con el tema de Georges Baker de fondo), o el final, donde la acción llega a un clímax enorme.
   
    Todo ello implica el genial trabajo de Tarantino como actor, director y guionista, que nos ha dado una película de culto que es muy entretenida y que hace imposible levantarse hasta que termina.

CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA


   

Seven (Se7en)

FICHA ARTÍSTICA: Director: David Fincher
                                     Reparto: Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey
                                     Guión: Andrew Kevin Walker
                                     Música: Howard Shore
                                     Fotografía: Darius Khondji
PRODUCTORA: New Line Cinema
GÉNERO: Thriller
AÑO: 1995

SINOPSIS: El teniente de policía Somerset (Morgan Freeman) apura sus últimos días antes de su jubilación mientras coincide con su relevo, el joven David Mills (Brad Pitt). Son de caracteres opuestos: la experiencia frente a la impulsividad. Pero se verán obligados a entenderse ante la amenaza de una serie de crímenes que tienen por base los siete pecados capitales: gula, avaricia, pereza, lujuria, soberbia, envidia e ira. Tendrán que correr contrarreloj para resolverlos antes de que el asesino culmine su obra...

CRÍTICA: Uno de .los mejores thrillers de la historia, sin duda.
    El trabajo de David Fincher es extraordinario. Sabe mantener la tensión en las escenas de acción, la intriga cuando corresponde y manejar con soltura a dos grandes actores, además de secundarios de lujo.
Su carrera comenzó con Alien 3 (1992), película muy criticada por los fans de la serie. Pero remontaría el vuelo, y de qué manera, con esta gran película, y con otras como El club de la lucha (1999), Zodiac (2007), El curioso caso de Benjamin Button (2008) o La red social (2011), por estas últimas sería candidato al Oscar.
    Además, está el reparto. Morgan Freeman, actor de una larga filmografía. Destaca, además de por esta, por Paseando a Miss Daisy (Bruce Beresford, 1989), Sin Perdón (Clint Eastwood, 1992), Cadena perpetua (Frank Darabont, 1994), Million Dollar Baby (Clint Eastwood, 2004), por la que obtuvo un Oscar; Batman Begins (Christopher Nolan, 2005), El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008) e Invictus (2009). Su interpretación rebosa de la veteranía y la serenidad necesarias para su papel.

    Brad Pitt, entre cuyas interpretaciones destacan Entrevista con el vampiro (Neil Jordan,1994), El Club de la lucha (David Fincher, 1999), Snatch, cerdos y diamantes (Guy Ritchie, 2000), Ocean´s Eleven (Steven Soderbergh, 2001), El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (Andrew Dominik, 2007), El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher, 2008), Malditos Bastardos (Quentin Tarantino, 2009) o El árbol de la vida (Edward Dmytryk, 2011). En este film es impulsivo, rápido, el contrapunto de Freeman. Gran interpretación en la que Pitt se mete de lleno en la psicología de Mills y en sus ganas de atrapar al asesino.
    El guión es extraordinario, de lo mejor, si cabe, de la película. Da unos giros argumentales sorprendentes, unos diálogos magníficos y una oplanificación perfecta. Al ambiente de thriller contribuye la música de Howard Shore, que hizo trabajos magníficos en El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1991) y en la trilogía de El señor de los anillos.

    Así, esta es una gran película que no solo es que merece ser vista, sino que DEBE verse, en especial por su magistral guión. Resulta, además, muy entretenida. El espectador no se podrá levantar del asiento durante sus 127 minutos de duración.


CALIFICACIÓN: EXCELENTE

Gran Torino

FICHA ARTÍSTICA: Director: Clint Eastwood
                                     Reparto: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her...
                                     Guión: Nick Schenk
                                     Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens
                                     Fotografía: Tom Stern
PRODUCTORA: Warner Bros Picture/ Malpaso Productions
GÉNERO: Drama
AÑO: 2008
PREMIOS: Diversos premios de crítica, como National Board of Review al mejor actor (Eastwood) y mejor guión original.

SINOPSIS: Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un veterano de la Guerra de Corea afincado en un barrio de mayoría inmigrante, hacia la que es reacio. Tras una vida trabajando para la Ford, su máxima ambición es seguir cuidando su Gran Torino del 72. Alejado de su familia, recientemente enviudado, Kowalski vive pensando en sus errores del pasado y en la Guerra en la que luchó, identificando un poco a sus vecinos asiáticos con sus enemigos del pasado. Pero la presencia de su vecino, el joven Thao, le hará cambiar poco a poco...

CRÍTICA: Extraordinario Clint Eastwood tanto delante como detrás de las cámaras. Puede que sea su papel más personal, ya que Kowalski es, en definitiva, un trasunto de sí mismo: veterano del Ejército,  viejo, algo cascarrabias...  Además, en esta película intervienen dos de sus ocho hijos: Kyle compone la banda sonora, y Scott tiene un papel secundario (Kowalski le denomina "irlandés lechoso"). Todo ello explica la importancia que esta película tiene a nivel personal para Clint Eastwood.
    Como director, vuelve a encantar a crítica y público. Ya ganó el Oscar al mejor director con anterioridad en dos ocasiones: en 1992 por la magistral Sin Perdón y en 2004 por la célebre Million Dollar Baby. En esta ocasión, no resulta exagerado decir que merecía, ya que la elección de todos y cada uno de los planos es excelente, en particular en los momentos de mayor carga dramática, como en los últimos 15 minutos del filme. Como siempre, grande Clint Eastwood en su puesto de director.
    Y no es menor, desde luego, su mérito como actor. Podemos decir que, interpretativamente hablando, Eastwood nació en el desierto almeriense, rodando la llamada Trilogía del dólar con Sergio Leone, formada por Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966), de la cual hemos hablado ya.
    En los 70, adoptaría el rol de Harry Callahan en la gran saga de Harry el sucio,  junto a otros trabajos como El fuera de la ley (Clint Eastwood, 1976) o Escape de Alcatraz (Don Siegel, 1979). De los 80, destaca El jinete pálido, de 1985, con él como director, como en 1986, con El sargento de hierro.

    Se consagra como actor en 1992 con la ya citada Sin Perdón, por la que obtuvo una nominación al Oscar al mejor actor. Repetiría nominación en 2004 por Million Dollar Baby. Otro trabajo reciente como actor a destacar es Poder absoluto (Clint Eastwood, 1996).
    Además, exclusivamente como director están Mystic river (2003), Banderas de nuestros padres (2006), Cartas desde Iwo Jima (2006), Invictus (2009) o J. Edgar (2011), injustamente apartada de los Oscar.
    A pesar de que Eastwood anunció su retirada de la actuación tras Gran Torino, parece que en 2012 protagonizará Trouble with the Curve. Una suerte para el cine.
    En Gran Torino, Eastwood posee una enorme capacidad para reflejar la naturalidad que hace falta. No hace falta la expresividad propia del Actor´s Studio, sino una sencillez que esconde una interpretación memorable.
    La cuidada fotografía, la magnífica balada musical de su hijo Kyle y unos diálogos maravillosos y marcados frecuentemente por el característico humor de Eastwood, hacen de esta película una de las mejores de la década y un nuevo ejemplo de lo grande que es Clint Eastwood. Les gustará, estoy seguro.

CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA

Gladiator

FICHA ARTÍSTICA: Director: Ridley Scott
                                     Reparto: Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Richard Harris.
                                     Guión: David Franzoni, John Logan, William Nicholson.
                                     Música: Hans Zimmer y Lisa Gerrard.
                                     Fotografía: John Mathieson.
PRODUCTORA: Universal Pictures.
GÉNERO: Acción-Bélico.
AÑO: 2000.
PREMIOS: 5 Oscar (película, Russell Crowe como actor, sonido, efectos visuales y vestuario).
                     Otros premios, como 2 Globos de Oro o 5 Bafta.

SINOPSIS: Partiendo de las campañas germánicas del emperador Marco Aurelio (Richard Harris), narra el ascenso al poder del traidor Comodo (Joaquin Phoenix), asesinando a su padre, y el drama personal del Hispano (Russell Crowe), fiel a Marco Aurelio, y por ello casi asesinado y después convertido en gladiador, buscando su venganza personal y la liberación de Roma.

CRÍTICA: Gran trabajo de un gran director: Ridley Scott, creador de peliculones como Alien, el octavo pasajero (1979); Blade Runner (1982); 1492, la conquista del paraíso (1992); Black Hawk Derribado (2002)o American Gangster (2007), además, claro, de Gladiator. Se nota el trabajo de este gran realizador en cada secuencia, en particular, en las espectaculares escenas de acción y lucha en las campañas germánicas, el Coliseo, etc. Por cierto, hablando del Coliseo, su reconstrucción es impresionante.
    Para dar vida al Hispano, nada menos que Russell Crowe, oscarizado, con importantes interpretaciones en L.A. Confidential (Curtis Hanson,1997), Master and Commander (Peter Weir, 2003), American Gangster (Ridley Scott, 2007), Una mente maravillosa (Ron Howard, 2001), Cinderella man (Ron Howard, 2005) o El tren de las 3:10 (James Mangold, 2007). Con varias participaciones con Scott, coincidirían de nuevo en 2010 con Robin Hood. Tuvo que prepararse bien para el papel, exigente por la abundante acción. Aunque no le duró demasiado, ya que para su papel como Jack Aubrey en Master and Commander tuvo que engordar alrededor de 20 kilos.
    Joaquin Phoenix encarna al hijo traidor del emperador, Comodo. El papel del Phoenix (con películas como Señales ( M. Night Shyamalan, 2002)) a nivel interpretativo es extraordinario. Representa a la perfección la psicología del personaje (dicen los historiadores que eso está muy logrado en el personaje) y le dota de complejidad y dramatismo.

    Richard Harris es el emperador Marco Aurelio. Veteranísimo actor irlandés, trabajó en películas como Un hombre llamado caballo (Elliot Silverstein, 1970) o Rebelión a bordo (Lewis Milestone, 1962), además de encarnar a Albus Dumbledore en las dos primeras entregas de la saga Harry Potter. También su figura histórica está bien representada, ya que era un emperador querido por el pueblo, valiente y honesto, todo lo contrario que Comodo.
    La música es espectacular, tanto en los momentos de acción como en los de mayor carga dramática, destacando el temazo final Now we are free. Resulta ser un acompañamiento perfecto, al igual que la fotografía y una elección de los planos excelente.

    Con todo esto, Gladiator resulta ser una gran película, muy entretenida, con algunas escenas espectaculares y que no defraudará a ningún amante de la acción ni a ningún cinéfilo. Un gran acierto.

CALIFICACIÓN : EXCELENTE

Sherlock Holmes

FICHA ARTÍSTICA:     Director: Guy Ritchie
                                     Reparto: Robert Downey Jr., Jude Law, Rachel McAdams, Mark Strong...
                                     Guión: Mike Johnson, Guy Ritchie, Anthony Peckham
                                     Música: Hans Zimmer 
                                     Fotografía: Philippe Rousselot

PRODUCTORA: Warner Bros Pictures.
GÉNERO: Acción-Intriga
AÑO: 2009
PREMIOS: Candidata a 2 Oscar, ganadora del Globo de Oro (Robert Downey Jr.).

SINOPSIS: Con motivo de una serie de asesinatos inexplicables, Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.) y su fiel doctor Watson (Jude Law) tendrán que hacer frente a múltiples peligros para desenmascarar al asesino, empleando para ello su capacidad para el boxeo y la esgrima, además de desplegar todo su potencial intelectual para ello.

CRÍTICA: Guy Ritchie, director y co-guionista en esta ocasión, nos ofrece una readaptación del clásico de Arthur Conan Doyle usando como base el cómic de Lionel Wigram. Como consecuencia de ello, Holmes es un experto en boxeo (en la novela de Connan Doyle ya pegaba puñetazos, aunque no de esta manera, claro) y Watson, un maestro en esgrima.
    Estas nuevas aptitudes de sus protagonistas le dan a la adaptación una gran bocanada de aire fresco tras innumerables adaptaciones, desde Basil Rathbone o Christopher Lee hasta Peter Cushing o las series de televisión. Aunque ello conlleve cierta ruptura con respecto al Holmes original, que en ocasiones se echa de menos.

    Grandes interpretaciones de los dos actores principales, junto a secundarios de lujo. Robert Downey Jr., superados sus problemas legales y de drogas, muestra una gran interpretación, y seguro que comprendió a la perfección la idea de Ritchie según se la contó. Jude Law, destacado en películas como Camino a la perdición (Sam Mendes, 2003), es el acompañamiento perfecto al histriónico Holmes de esta película. Ambos han demostrado ser actores solventes, taquilleros y convincentes para crítica y público.
    También hay que destacar la recreación del Londres victoriano, fielmente logrado en esta adaptación. A ello contribuye una fotografía excelente y la música del genial Hans Zimmer; todo ello nos sumerge en la ambientación de manera perfecta.
    Y, aunque sí que es cierto que no se trata de la mejor adaptación de Sherlock Holmes, que tiene algunos errores, etc, no deja de ser una película, cuanto menos, interesante, muy entretenida, palomitera y que merece la pena ver.


CALIFICACIÓN: MUY BUENA

Apocalypse now

FICHA ARTÍSTICA: Director: Francis Ford Coppola
                                     Reparto: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Dennis Hopper, Laurence Fishburne, G.D.Spradlin, Harrison Ford.
                                     Guión: John Milius y Francis Ford Coppola.
                                     Banda sonora: Carmine Coppola.
                                     Fotografía: Vittorio Storaro.

PRODUCTORA: United Artists.
GÉNERO: Bélico
AÑO: 1979
PREMIOS: 2 Oscar: Fotografía y sonido (8 nominaciones).
SINOPSIS: Al capitán Willard (Martin Sheen), del servicio de inteligencia norteamericano durante la Guerra de Vietnam, le asignan desde el alto mando una misión extremadamente delicada y arriesgada: remontar el río hasta Camboya a bordo de una lancha para eliminar a Walter E. Kurtz (Marlon Brando), brillante coronel renegado del ejército norteamericano, que ha enloquecido por los horrores de la guerra y actúa demencialmente, sin ninguna responsabilidad.

CRÍTICA: Hay muchos que consideran que esta es la mejor película bélica de la Historia. No sé si tienen razón o no, pero es cierto que es , si no la mejor, de lo mejor del género, que se dice pronto.
    Y es que todos los que participan en esta película son grandísimos profesionales. Para empezar, el director y guionista, Francis Ford Coppola, que venía de rodar dos obras maestras del cine: El Padrino (1972) y El Padrino II (1974). La visión general de Apocalypse now como película, junto con el cuidado manejo de la cámara, el control de varias escenas díficiles de rodar y un gran guión adaptado de la novela de Joseph Conrad hacen de la dirección la consolidación de Francis Ford Coppola. Además, esta película es su sueño como director; antes ya de rodar El Padrino II buscaba financiar Apocalypse now.
    Los actores tampoco se quedan cortos. Martin Sheen encarna al capitán Willard. El rodaje en el sudeste asiático fue durísimo, tanto que Sheen sufrió un ataque al corazón que casi le mata, aunque se recuperó y continuó el rodaje. Cuando le preguntaron, muchos años después del rodaje, si volvería a rodarla, asegura que no, que no podría. En cualquier caso, nos brinda una interpretación memorable.

    Como memorable es también la interpretación de Marlon Brando, el coronel Kurtz en el filme. El enorme ego de Brando es conocido por todos los directores que han trabajado con él. Aquí se repitió la historia. Se negaba a viajar al sudeste asiático para rodar en unas condiciones así. Cuando le convencieros, llegó con muchos kilos de más (que obligó a modificar el guión para que casi todas sus escenas fueran en semioscuridad, para que se notara menos) y sin saberse el guión. Exigencias aparte, Coppola consiguió a un Brando escalofriante en su papel, brillante y expresivo como siempre, y una de las mejores interpretaciones de la década (junto a, entre otras, la suya misma como Vito Corleone).
    Coppola contó también con un secundario de lujo para esta película: Robert Duvall. Nominado al Oscar, se alzó con un Globo de Oro por su enorme interpretación del coronel Kilgore. Nos brinda algunas de las escenas más famosas de la película, como la escena del napalm, o la del ataque aéreo con "La cabalgata de las Walkirias" de fondo.
    En la música, el padre de Francis Ford Coppola, Carmine Coppola, que colaboraría con él en El Padrino II (1974) y El Padrino III (1990). Su relación en el plató iba más allá de padre-hijo, ya que era puramente profesional.
    Al igual que la música, la fotografía es extraordinaria, cuidada al detalle para darnos unas panorámicas espectaculares.
    La escena del ataque en helicópteros, antes mencionada, es de las más conocidas, y por mérito propio. Es hipnótica, al ritmo de Wagner, que le da un tono épico magnífico, y con una fotografía de sobresaliente.
   

     Para terminar, aconsejo esta gran película a todo el mundo, porque les encantará a todos, amantes o no del género bélico. No se la pierdan.

    CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA

El golpe

FICHA ARTÍSTICA: Director: George Roy Hill
                                     Reparto: Paul Newman, Robert Redford, Robert Shaw...
                                     Guión: David S. Ward
                                     Banda sonora: Marvin Hamlisch
                                     Fotografía: Robert Surtees
PRODUCTORA: Universal Pictures
GÉNERO: Gangsters
AÑO: 1973
PREMIOS: 7 Oscar (película, guión original, dirección, montaje, banda sonora adaptada, vestuario, dirección artística).
SINOPSIS: Johnny Hooker (Robert Redford) y su compañero Luther son dos raterillos que dan pequeños timos. Un día interceptan por error un correo de dinero de la mafia. Al enterarse Doyle Lonnegan (Robert Shaw), el gangster, ordena matar a los dos. Tras morir Luther, Hooker decide vengarse, y para ello contacta con Henry Gondorff (Paul Newman), el rey de los timos. Ellos y un equipo de profesionales se enfrentarán a Lonnegan...

CRÍTICA: También en esta ocasión debo reconocer que es una película que me encanta. De hecho, nunca he oido una mala crítica sobre esta película a nadie. Y es que es una historia de gangsters contada con un toque de humor, encanto y simpatía por los personajes que hace que se vea esta película, en muchas escenas, con una sonrisa.
    Gran trabajo el de Roy Hill de volver a juntar a dos grandes de la pantalla bajo su dirección, tras Dos hombres y un destino, 1969. Una vez más, Redford y Newman nos brindan con unas interpretaciones magistrales. También Shaw, aunque sea el antagonista, lleva a cabo una más que sólida interpretación.
    Eso sí, Robert Redford tuvo ciertos reparos en coincidir de nuevo con Paul Newman, ya que era de los pocos capaces de hacer sombra a una estrella como él. Es posible que también en esta ocasión le tape un poco, pero el espectador agradece dos interpretaciones como estas juntas, con independencia de quién destaque más de los dos.
   El guión, que se llevó un Oscar, es de lo mejorcito de una película que ya de por sí es de las mejores. Diálogos brillantes, situaciones magníficas, unas escenas memorables (yo suelo destacar 3: el principio, la partida de póquer y, sobre todo, el final, que es de los más ingeniosos de toda la Historia del cine).
    Además, la banda sonora es inolvidable. Quién no recuerda esta, que es de las más famosas de todas. Hasta quienes no la han visto la conocerán, de eso estoy seguro.
    El montaje, la escenografía, el vestuario, la fotografía, la ambientación en los años 30 de la Depresión también son extraordinarios. Roy Hill nos mete de lleno en la historia mediante estos elementos.

   Ya para terminar, solo repetir que para el que ya la ha visto, que nunca está de más verla de nuevo. Y para quien no la haya visto aún, recomendársela encarecidamente. Sé que les gustará.

CALIFICACIÓN:  OBRA MAESTRA

El bueno, el feo y el malo

    A título personal, debo reconocer que esta es una de mis películas preferidas, tanto en lo artístico como en lo personal.

    FICHA ARTÍSTICA: La dirección y el guión son de Sergio Leone. En el plano actoral, destacan Clint Eastwood, Lee van Cleef y Eli Wallach. La música corre a cargo del gran Ennio Morricone.
    GÉNERO: Western
    AÑO: 1966
    SINOPSIS: Ambientado en la Guerra de Secesión americana, tres cazarrecompensas tratan de hacerse con un cargamento de oro escondido en un cementerio por los confederados. Rubio (Clint Eastwood) conoce el nombre de la tumba en la que se esconde, mientras que Tuco (Eli Wallach) sabe en qué cementerio se encuentra. Van juntos por conveniencia, pero no se atreven a compartir con el otro su información. Sentencia (Lee van Cleef), frío y calculador, está dispuesto a eliminar a cualquiera que se interponga entre él y el oro.

   CRÍTICA: Repito mi alabanza hacia esta película. De hecho, Tarantino la definió como "la película mejor dirigida de la Historia", y la influencia del cine de Leone en sus películas es evidente. Esto no tiene por qué convertirla en la mejor película de la Historia, pero si alguien como el genial Quentin Tarantino dice eso, indica que es extraordinaria.
    Comencemos por los actores. Vemos aquí a un joven Clint Eastwood (Rubio, "el bueno")en su tercera gran aparición en el cine. Venía de rodar, también con Sergio Leone, Por un puñado de dólares (1964) y La muerte tenía un precio (1965), ambas obras maestras. Su personaje es similar al de las otras dos, aunque no tengan relación argumental: es el "hombre sin nombre", un tipo duro y de pocas palabras, muy rápido, y al que solo mueve el dinero. Hablaremos, y mucho, de este actor, director (y músico) excepcional.

    Eli Wallach (Tuco, "el feo"), buscado por múltiples crímenes. Tal vez sea el personaje más complejo de los tres, y su interpretación será quizás la más recordada de su carrera. Wallach venía ya de una larga carrera en el teatro, y nos dará más de 50 años en el cine.
    Por último, Lee van Cleef (Sentencia, "el malo") encarna a un cazarrecompensas frío, calculador y sin escrúpulos, alistado como sargento en la Unión. De gran experiencia en el género, con papeles secundarios (y con frecuencia de villano) en Solo ante el peligro (Fred Zinemann, 1952), El hombre que mató a Liberty Valance (John Ford, 1962). Después tendría problemas con el alcohol, hasta que Sergio Leone le recuperaría como el malo perfecto por su cara y su gran estatura; colaboraría con él el La muerte tenía un precio. Después haría, entre otras, El halcón y la presa (Sergio Sollima, 1966).
    Sergio Leone fue un director extraordinario, aunque solamente rodara 7 películas. Esta obra culminaría la conocida como "Trilogía del dólar", formada por Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo. Recordemos la alabanza que hizo Tarantino de su cine para comprender su enorme papel el el spaghetti western y en el cine en general. Su manejo de la cámara es extraordinario, así como su capacidad para meter al espectador en la historia. En sus películas, la música, el ambiente, la fotografía, etc, están cuidados al máximo. Hablaremos bastante de este genial director.

    La música de Ennio Morricone es archiconocida, y no por casualidad. Su tema principal es una leyenda del género, y algunos de los temas de la película influyen y mucho en la posición del espectador en la trama. De hecho, a veces los actores rodaban con la música de fondo, para que influyera al máximo.

    Esta película goza de escenas memorables, como la del puente, la llegada al cementerio (con el temazo de "El éxtasis del oro", que logra meternos en la situación perfectamente) y, sobre todo, el duelo final (el tema de "Il triello" le da un carácter épico sin igual). En este duelo, Sergio Leone cuida cada mirada, cada plano, cada gesto... al son de la música. Es un hito del cine, y se la aconsejo a todo el mundo.
    A los aficionados al género les entusiasmará, y a quienes no les guste demasiado, estoy convencido de que les sorprenderá y tal vez iniciará en el Western. Una joya.

CALIFICACIÓN:  OBRA MAESTRA

VÍDEOS: http://www.youtube.com/watch?v=exJOy6uTkek

Introducción

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Este blog está destinado a hacer comentarios sobre algunas de las mejores películas de ayer y de hoy.
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