E.T.

FICHA ARTÍSTICA:
Dirección: Steven Spielberg
Reparto: Henry Thomas, Dee Wallace, Robert MacNaughton, Drew Barrymore
Guión: Melissa Mathison
Música: John Williams
Fotografía: Allen Daviau

PRODUCTORA: Universal Pictures
GÉNERO: Ciencia ficción-drama.
AÑO: 1982
PREMIOS: 4 Premios Oscar: Mejor banda sonora; Mejor sonido; Mejor edición de sonido; Mejores efectos visuales.
2 Globos de Oro: Mejor película-Drama; Mejor banda sonora original.

SINOPSIS: Un grupo de extraterrestres investigan en un bosque californiano cuando son sorprendidos por un grupo de agentes del gobierno, y se ven obligados a huir dejando a E.T. en tierra, que pronto baja a casa de un niño llamado Elliot (Henry Thomas), del cual se hará amigo.

CRÍTICA: Película intimista y muy personal de Spielberg, con muchas conexiones entre esta historia y su infancia, como ya señalaremos. Y es que pocas películas, o ninguna, mejor dicho, han conseguido cautivar al gran público, niños y adultos por igual, y hacer que se sigan emocionando tantos años después de su estreno. En esto también me incluyo.
    Steven Spielberg dirige esta cinta tan personal para él. Gran director, el Rey Midas de Hollywood de la época, muy rentable en la taquilla y generalmente sólido para la crítica. DE prolífica filmografía, repasamos algunos de sus títulos más destacados, además de E.T., la película que nos ocupa : El diablo sobre ruedas (1972); Tiburón (1975); Encuentros en la tercera fase (1977); En busca del arca perdida (1981); Indiana Jones y el templo maldito (1984); El color púrpura (1985); El imperio del sol (1987); Indiana Jones y la última cruzada (1989); Jurassic Park (1993); La lista de Schindler (1993), Oscar incluido; Amistad (1997); Salvar al soldado Ryan (1998), 2º Oscar; A.I. (2001); Atrápame si puedes (2002); La terminal (2004); Munich (2005); Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008); Las aventuras de Tintín: el secreto del Unicornio (2011); War horse (2011).

 E.T. con Spielberg

    Volviendo a E.T., Spielberg se implica absolutamente en la historia. De hecho, el niño protagonista, Elliot, tiene mucho que ver con su infancia: padres divorciados, una hermana pequeña que cuidar, y la escapatoria de esta situación a través de la fantasía. Por eso todo en la cinta es tan personal, por eso todo está tan bien cuidado, y por eso cada detalle fue mirado con lupa por el propio Spielberg, empezando por el extraterrestre. Spielberg quería un E.T. simpático y entrañable, con expresividad facial y grandes ojos, y con el que el público se encariñara. De ahí que se gastara el 20% de su presupuesto de 10,5 millones de dólares en diseñar a E.T.
    Ya para acabar por ahora con Spielberg, destacar que en esta película también se ve una constante en su filmografía: las puestas de sol. De hecho, una de las escenas más famosas de la película tiene el sol poniente de fondo, con bicis voladoras incluidas.

    El reparto fue difícil de elegir. El papel de Elliot recayó en Henry Thomas gracias a una improvisada escena en la que sus lágrimas resultaron muy creíbles. El papel de Michael, el hermano mayor, fue asumido por MacNaughton, que tuvo que superar ocho entrevistas para hacerse con el papel. Más fácil lo tuvo seguramente la niña pequeña, Drew Barrymore, a la que dieron el papel tras quedar Spielberg impresionado por su imaginación tras contarle una historia inventada en la que ella era la líder de una banda de punk. De hecho, Barrymore es la única que acabó en una carrera artística profesional, aunque tras pasar por una adolescencia con problemas.
    El rodaje fue, en un gran acierto, concebido para los niños. Esta es la razón por la cual todas las escenas se rodaron cronológicamente, algo insólito en Hollywood, pero que facilitó mucho el trabajo de los niños.

    La banda sonora de John Williams es extraordinaria, siempre recordada por el público. 5 veces ganador del Oscar, y con 4 Globos de Oro en su haber, es uno de los mejores compositores de cine de toda la Historia. De hecho, su partitura de E.T. es de las más recordadas del cine, y tal vez la más emotiva de todas. Maravillosa sin duda.
    Otro de los grandes aciertos de la cinta es la fotografía, que nos ha dado planos extraordinarios, en especial, con el sol poniente o el de la luna llena de fondo. Quienes la hayan visto saben de lo que hablo. Además, el guión resulta muy convincente, y el sonido, magnífico. Para la historia, las repetidas "mi casa" y "teléfono".

    Spielberg consigue que el espectador se encariñe pronto con E.T., un personaje que rompe con el concepto del extraterrestre de la guerra fría: hasta entonces, eran invasores, cuyo objetivo era dominar el planeta, sin atisbo de bondad. E.T. rompe con todo esto dando una vuelta de tuerca al asunto: el extraterrestre es solo un niño que se hace amigo de los humanos, que está accidentalmente perdido, y que es de naturaleza bondadosa. Es uno de los personajes más queridos de la Historia del Cine, y a ello también contribuyen sus enormes ojos, que dan sensación de bondad.

    E.T. ayuda a Elliot en un momento difícil para su familia, con el divorcio de sus padres. Se hacen amigos inseparables. Hasta sus nombres guardan relación: E y T son la primera y la última letra del nombre de Elliot. ¿Casualidad?
    Los adultos en la cinta, a excepción de la madre, son presentados como enemigos casi. Esto se ve muy bien en la primera hora de película, donde a ningún adulto, excepto la madre, se le ve el rostro, ni siquiera se le ve de cintura para arriba. Por eso esta película guarda una relación con la vuelta a la infancia.
    Es una de las películas mejor calificadas de la Historia, un éxito arrollador de crítica y público. A excepción de cierta crítica estúpida que, para dárselas de importantes, tildan esta película de sensiblera y a Spielberg de poco serio. Pero E.T. nunca peca de sensiblería. Es muy emotiva, pero nunca sensiblera. Y que un director como Spielberg quiera hacer una película sentimental y con tanta relación con la infancia no indica que sea poco serio, ni mucho menos. Pero esta crítica estúpida es minoritaria y nunca empañarán este gran éxito para todas las edades y épocas que es E.T. 

    Una de las películas y de los personajes más queridos de la Historia. Una técnica perfecta, una banda sonora extraordinaria e inolvidable, unos planos que quedan en la retina para siempre,... Hay muchos motivos para disfrutar de nuevo de esta joya, obra maestra del Cine. Vuelvan a verla, y que la disfruten de nuevo. No hace falta que lo desee, sé que lo harán.

CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA  

Grupo salvaje

FICHA ARTÍSTICA:
Dirección: Sam Peckinpah
Reparto: William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O' Brien, Warren Oates, ...
Guión: Walon Green, Sam Peckinpah
Música: Jerry Fielding
Fotografía: Lucien Ballard

PRODUCTORA: Warner Bros Pictures
GÉNERO: Western
TÍTULO ORIGINAL: Wild Bunch
AÑO: 1969

SINOPSIS: Tras el fallido asalto a un banco, cinco de los forajidos se ven forzados a huir perseguidos por un grupo de cazarrecompensas hasta México, donde se ven envueltos en la guerra entre el ejército federal y los revolucionarios de Pancho Villa. El Grupo salvaje lucha por seguir asaltando, y por su propia supervivencia, cada vez más cercados...

CRÍTICA: Debo confesar que esta cinta es de mis westerns preferidos, y por extensión, una de mis películas preferidas. Y bien merecido que lo tiene, por ser una película de mucha acción, muy entretenida, técnicamente perfecta y magistralmente realizada.
    Sam Peckinpah se encarga de la dirección y del guión. Este gran director siempre ha llevado consigo cierta controversia debido a la violencia de sus películas, pero hay que decir en su defensa que no utiliza la violencia como algo banal, sino que la integra perfectamente y la usa como un elemento narrativo fundamental; como algo que caracteriza su estilo y que hace grandes muchas de sus películas.
    Algunas de sus mejores películas, además de Grupo salvaje, son: Duelo en Alta Sierra (1962), Mayor Dundee (1965), Perros de paja (1971), Pat Garrett y Billy the Kid (1973), y La cruz de hierro (1977).

    Algo que caracterizó a Peckinpah siempre fue su tormentosa relación con las productoras, que le exigían constantemente un cambio en su estilo violento, películas más cortas, etc. Además de esto, debía de ser una persona de carácter muy difícil, y alcohólico. Pero esto no le impidió hacer grandes películas, y es aconsejable ver las versiones de "montaje del director", ya que en estas versiones no estaba plegado a las exigencias de las productoras.
    Su estilo en Grupo salvaje, aparte de muy violento, es trepidante. Grandes escenas de acción, tiroteos múltiples,... Y un elemento que utiliza muy bien en esta película es la cámara lenta: sin pasarse, no excesivamente lenta, con rápidos cortes para mostrar otras imágenes y rápidamente volver a mostrar el elemento anterior, lo que da sensación de continuidad y evita hartarse de este elemento.
    Grande Peckinpah, con su estilo personal y sus múltiples aciertos.
    Además, en sus películas dota a sus personajes de una gran complejidad psicológica, lo que nos lleva al reparto, que es de lujo.

    William Holden encarna al jefe de la banda de forajidos. Es un personaje de carácter fuerte, complejo, con un pasado duro, y que es consciente de que los años no pasan en balde. Aun así, mantiene al grupo unido y activo en la lucha. Gran personaje y gran interpretación.
    Ernest Borgnine es el brazo derecho de Holden en el Grupo. Es un grandísimo actor, fallecido en 2012, y que ha dejado interpretaciones memorables en el rol que sea. Aquí es un personaje simpático, leal al jefe, siempre dispuesto. Este actor es uno de mis preferidos, con un rostro muy característico, y que siempre borda al personaje.
    Robert Ryan es el tenaz cazarrecompensas, antiguo integrante del grupo, que les persigue incansable, y que cobra importancia en especial al final de la película. Gran actor, que dejó aquí una de sus últimas interpretaciones, y tal vez incluso la mejor, que es decir mucho.

    La música corre a cargo de Jerry Fielding, y fue nominada a los Oscar. Muy importante este elemento en la película, con un buen dominio del sonido y música, tanto cuando suena (que es excelente), como cuando se hace un silencio total, añadiendo tensión en algunas escenas, como al final.
    Haciendo un balance global, se trata de una verdadera maravilla de película. Nunca he oído una mala crítica suya, muy bien valorada por crítica y público, y que ha constituido un clásico y una película de culto. Ya he señalado antes mi gusto personal por ella.
    Y es que Grupo salvaje es uno de los mejores ejemplos del western crepuscular, cuando el género en América empezaba a agonizar. Con cierto tono melancólico, como el que se da cuenta de repente de que los años han pasado sin darse cuenta. Un relato también sobre la amistad, el valor y la lealtad.
    Algunas de sus escenas son legendarias, un símbolo del cine. Destaco las más famosas y mis preferidas: la escena inicial, con el asalto al banco (antes del asalto, hay momentos geniales, donde va creándose una atmósfera de tensión que culmina en un gran tiroteo); la del robo del cargamento del tren, con la escena del puente incluida (con un magnífico uso de la cámara lenta en ese momento); y la escena del tiroteo final, muy violenta y extraordinariamente bien filmada, con un gran uso cuando se requiere de la cámara lenta, y que constituye el colofón final para esta maravilla de película.
    Por último, decir que estoy convencido al 100% de que esta película gustará no solo a los aficionados al western, que la tendrán como una de las mejores, sino también al público en general, que encontrarán una película con mucha acción, entretenida y, en definitiva, buen cine. Sin duda, una de las mejores de la Historia del Cine.

CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA





     

Django (1966)

FICHA ARTÍSTICA:
Dirección: Sergio Corbucci
Reparto: Franco Nero, Loredana Nusciak, José Bódalo, Eduardo Fajardo, ...
Guión: Sergio Corbucci, Bruno Corbucci
Música: Luis Enrique Bacalov
Fotografía: Enzo Barboni

PRODUCTORA: B.R.C. Produzione S.r.l./Tecisa
GÉNERO: Western
AÑO: 1966

SINOPSIS: Django (Franco Nero), veterano nordista de la Guerra de Secesión, llega arrastrando un ataúd a un pueblo mexicano, donde se enfrentan el recién surgido Ku Klux Klan con un grupo revolucionario mexicano. Su objetivo: vengarse del Mayor Jackson (Eduardo Fajardo), terrateniente sudista y dirigente local del Klan.

CRÍTICA: Este spaghetti western es de lo mejor del subgénero, y se trata de una película de culto entre los seguidores, entre ellos, Tarantino. De hecho, es de gran calidad técnica, muy entretenida, y que supuso la creación de un personaje vital en el spaghetti western: Django.
    Su director es Sergio Corbucci, que también participa en el guión. Corbucci es, tras Sergio Leone, el director de referencia del spaghetti western. De este estilo tiene numerosas cintas, aparte de Django, y destaca El gran silencio (1968). Su estilo se caracteriza por el uso de una fuerte violencia; para la época, extraordinariamente fuerte, ya que algunas de sus escenas, e incluso de sus películas, fueron censuradas en varios países.
    De esto incluyo algunos ejemplos: Django fue prohibida en Inglaterra por su "extrema violencia". En España se censuró por ejemplo la escena en la que un general mexicano le corta la oreja a un predicador del Klan. Y otro ejemplo más: El gran silencio, a la que hacía referencia antes, fue censurada en su totalidad en España.
   Sin embargo, hoy todo esto parece exagerado. Cierto que su estilo es violento, pero sin llegar a estos extremos. El estilo de Corbucci en esta época es directo, rápido en ocasiones, y le aporta su carisma a esta cinta, resultando en una dirección excelente.

    En cuanto al reparto, destaca especialmente Franco Nero, actor de extensa filmografía que saltó a la fama gracias a Django, y que se convirtió en un actor especializado en el spaghetti western, sobre todo en la década de los 60. Lo cierto es que Nero logró hacer de este personaje un icono, siendo recuperado sin la participación de Nero en múltiples ocasiones, destacando cintas como No esperes Django...¡dispara! (Edoardo Mulargia, 1967); Django el bastardo (Sergio Garrone, 1969); Django y Sartana (Demofilo Fidani y Diego Spartaro, 1970); o Sukiyaki Western Django (Takashi Miike, 2007), con la participación de Tarantino. Estas otras cintas reflejan lo que consiguieron Nero y Corbucci: hacer de un personaje un icono.
    Django se aleja un poco del modelo del antihéroe del spaghetti western para acercarse más al héroe, más clásico del western tradicional, aunque con muchos elementos del western italiano. No es parco en palabras, al contrario que otro de los grandes iconos del subgénero: el Hombre sin nombre encarnado por Clint Eastwood. Pero comparten el ser muy rápidos con el revólver, y cierto hieratismo en la expresión. Además, destacar que el personaje de Django no es plano, sino que es más complejo.
    La música de Luis Enrique Bacalov es muy buena, y la escena inicial, con el tema principal de la película, y las imágenes de Django arrastrando pesadamente el ataúd a través del desierto son de las más famosas del western italiano.

    Django, como ya señalamos, es una cinta de culto. Uno de sus grandes admiradores es Quentin Tarantino, que tomó la escena en la que el general mexicano le corta la oreja al predicador del Klan para una secuencia famosísima de su Reservoir dogs (1992), de la cual ya hablamos. En 2007 participó en el remake Sukiyaki Western Django, de Takashi Miike. Además, en 2012, Tarantino dirigió Django desencadenado, un western que recupera el tema musical principal y el nombre del personaje, además de un cameo del propio Franco Nero.
    La película de Django tuvo su continuación argumental en El retorno de un héroe (Nello Rossati, 1987), aunque seguramente de bastante menor calidad.

    Volviendo a Django, es una película muy entretenida, con mucha acción y fuertes dosis de violencia. Muy aconsejable para los amantes del género, pero en general creo que gustará a todo el mundo. Lo cierto es que hay momentos magníficos en esta película, como la escena inicial, o las de grandes tiroteos. Y es que el enfrentamiento entre una banda de revolucionarios mexicanos con un grupo del Ku Klux Klan, con un fuerte cargamento de oro y un gran pistolero, Django, de por medio da lugar a una película de mucha acción.
    Todos estos elementos justifican que Django siga siendo hoy, tantos años después, una película de culto para muchas personas.

    Por cierto, la película está disponible en Youtube en español, aquí dejo el enlace.
https://www.youtube.com/watch?v=UorpS9zkgAQ

CALIFICACIÓN: EXCELENTE

El hobbit: un viaje inesperado

FICHA ARTÍSTICA:
Dirección: Peter Jackson
Reparto: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Andy Serkis, Ken Scott, Ian Holm, Elijah Wood, Hugo Weaving, Cate Blanchett, Christopher Lee.
Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson, Guillermo del Toro. Basado en la novela de J.R.R.Tolkien.
Música: Howard Shore
Fotografía: Andrew Lesnie

PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures; MGM; New Line Cinema.
GÉNERO: Aventuras
AÑO: 2012

SINOPSIS: Bilbo Bolsón (Martin Freeman) recibe la extraña visita del mago Gandalf (Ian McKellen) y de 13 enanos, cuyo líder es Thorin "Escudo de Roble" (Richard Armitage). Estos enanos tratan de recuperar el reino de Erebor con todo su tesoro, del cual fueron despojados por el dragón Smaug. Bilbo accede a ayudarles a recuperarlo, recorriendo peligrosas tierras y corriendo múltiples aventuras hasta llegar a la Montaña Solitaria...

CRÍTICA: Esperadísimo estreno de esta precuela de El señor de los anillos. Hasta poco antes de su estreno, poco se sabía sobre el resultado final de la película, que ha causado una gran expectación.
    Para empezar, su director, Peter Jackson, ya dirigió antes la extraordinaria trilogía de El señor de los anillos: La comunidad del anillo (2001), Las dos torres (2002) y El retorno del rey (2003), que le dieron un enorme éxito de crítica y público, además de una riada de premios (3 Oscar) y millones en recaudación. Inicialmente se negó a dirigir la adaptación cinematográfica de El hobbit. El proyecto recayó inicialmente en Guillermo del Toro; sin embargo, todo volvió a lo que es lógico, y Jackson accedió a dirigir las cintas (es una trilogía). Es de agradecer la decisión de Jackson, sin menospreciar a del Toro, porque aparte de un grandísimo director, Jackson es un muy buen guionista y adapta genial las historias. Nos lo demostró al recrear el mundo de Tolkien en estas películas, en unas de las mejores y más fieles adaptaciones de la Historia, y nos lo demostrará con la segunda y esperada parte de Las aventuras de Tintín.

    Grande Peter Jackson, ya que la mano maestra del director y guionista se nota en toda la cinta.
    En cuanto al reparto, desde luego que es de lujo. Para el papel de Bilbo Bolsón de joven, encontramos a Martin Freeman, notable sobre todo en sus papelen en televisión. Después de verle en el papel, seguro que ha captado el personaje fielmente, una intepretación muy creíble y que hace que por fin pongamos cara al joven Bilbo de manera genial.
    Muchos actores de El señor de los anillos repiten en esta cinta: Ian McKellen vuelve a dar vida de manera prodigiosa a Gandalf, en otra interpretación maestra; el gran Andy Serkis vuelve a dar vida a Gollum; Ian Holm repite como Bilbo anciano; Elijah Wood, cómo no, es Frodo Bolsón; Hugo Weaving como Elrond; la grandísima Cate Blanchett como la dama elfa Galadriel; y el veteranísimo Christopher Lee como Saruman el Blanco.

    Además, una cara nueva y que me ha sorprendido muy gratamente, aparte de Martin Freeman, es Richard Armitage en el papel del enano Thorin. Ha sabido representar el personaje de Thorin, orgulloso, fuerte, líder. Además, la película explica detalles extra sobre la vida del personaje que acentúan estas características. Un actor que puede ser muy interesante, y que ciertamente borda el papel.

    La música, evidentemente, recae en el gran Howard Shore, que ya compuso magistralmente la banda sonora de El señor de los anillos, lo que le valió 3 Oscar, y es de las bandas sonoras más célebres del cine. Esta vez no se queda corto, y le aporta muchísimo a la película. Otra vez.
    Mención aparte merece la fotografía de Andrew Lesnie. Ya ganó el Oscar por El señor de los anillos: la comunidad del anillo, y espero que en esta ocasión repita. Los entornos que recoge son maravillosos, así que aconsejo fijarse bien en este aspecto.
    El guión es fiel al libro, pero incorpora elementos no incluidos en él. Hablaremos ahora sobre ello.

    Tengo que decir que la película me ha encantado. Y es que esta cinta no deja indiferente a nadie: unos se esperaban más, otros se han aburrido, pero creo que a la mayoría nos ha encantado.

    La decisión de hacer de un libro de unas 300 páginas en una trilogía debo decir que en un principio me causó ciertas dudas sobre el proyecto. Pero debo decir que, después de ver la primera entrega, y confiando ciegamente en el talento de Jackson y compañía, estoy convencido de que va a salir muy bien.
    Tal vez sea un poco larga (169 minutos), pero a mi se me pasaron volando. Alguna escena, como la de los enanos en la casa de Bilbo, sí puede resultar algo más lenta, pero para mi, no sobra ninguna escena, ni quitaría nada.
    La película empieza con la explicación de cómo los enanos construyeron y después perdieron el reino de Erebor con todo su tesoro debido al dragón Smaug, y cómo recuperan el reino de Moria frente a los trasgos. Además, la introducción de un personaje que no aparece en los libros, el Gran Trasgo, y una profundización en el personaje de Thorin. Todo esto, lejos de resultar tedioso, aporta mucho a la cinta. De hecho, Jackson asegura que el propio Tolkien tenía en mente una ampliación del libro de El hobbit con elementos y personajes de El señor de los anillos, y eso es justamente lo que ha filmado.

    Estoy seguro de que esta película va a gustar en general. Pero aconsejo ver antes la trilogía de El señor de los anillos, o como poco la primera entrega, para entender las subtramas, los guiños, la introducción que se hace hacia la historia posterior, y disfrutar más de esta cinta.
    Algunas escenas son magníficas. Hay muchas que destacaría, como la de los trolls, la de la cueva de los trasgos... Pero si me tengo que quedar con una, claramente con la escena de Gollum. Adapta fielmente el libro, y Andy Serkis vuelve a lucirse en el papel de Gollum. La verdad es que es genial cómo tiene de logrado el personaje, tanto tecnológica como actoralmente (en especial, la expresión facial). Los diálogos son extraordinarios, añadiendo además golpes de humor buenísimos, en esta escena y en toda la película.

    Esta película tiene su continuación en El hobbit: la desolación de Smaug (Peter Jackson, 2013) y El hobbit: partida y regreso (Peter Jackson, 2014). Estoy impaciente por verlas, sinceramente.
    A modo de conclusión, repetir que me ha encantado, que por supuesto que la aconsejo , que estoy seguro de que, en especial los fans de El señor de los anillos la disfrutarán, y que es una gran película.

CALIFICACIÓN: EXCELENTE



 

Skyfall

FICHA ARTÍSTICA:
Dirección: Sam Mendes
Reparto: Daniel Craig, Javier Bardem, Judi Dench, Ralph Fiennes, Naomie Harris.
Guión: Neal Purvis, Robert Wade, John Logan
Música: Thomas Newman
Fotografía: Rober Deakins

PRODUCTORA: Metro Goldwin Mayer, Columbia Pictures
GÉNERO: Acción
AÑO: 2012

SINOPSIS: James Bond (Daniel Craig) deberá enfrentarse a un nuevo villano llamado Silva (Javier Bardem), que amenaza con destruir el propio MI6, y que profesa un odio aparentemente irracional hacia M (Judi Dench).

CRÍTICA: El estreno de esta película, la 23ª película oficial de 007, ha sido mediático como ninguno. Un estreno muy esperado con motivo del 50 aniversario de la primera película de Bond: Agente 007 contra el Dr. No (Terence Young, 1962). Una ambientación en Londres y la película más personal del personaje además contribuyen a que esta sea la película con mejor estreno en el Reino Unido en la historia, y número 1 de taquilla en todo el mundo. Y a la aparición de 007 en la presentación de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, seguro.

    Centrándonos en la película en sí, empezaremos por Sam Mendes, su director. Ganador del Oscar en 1999 por American Beauty, destacan en su filmografía: Camino a la perdición (2002), una auténtica obra maestra; Jarhead (2005); o Revolutionary road (2008). El inglés trató de implicar en el proyecto de Skyfall al mismísimo Sean Connery, a pesar de que, naturalmente, no haría de Bond, pero se negó. Director atrevido e innovador, las escenas de acción están impecablemente rodadas.
    Pasamos al reparto. Daniel Craig interpreta por tercera vez a James Bond. En su filmografía destacamos películas como la ya mencionada Camino a la perdición (Sam Mendes, 2002); Munich (Steven Spielberg, 2005); Casino Royale (Martin Campbell, 2006), primera vez que interpreta a Bond; Invasión (Oliver Hirschbiegel, 2007); Quantum of Solace ( Marc Forster, 2008), segunda interpretación de 007; Tintín: el secreto del Unicornio (Steven Spielberg, 2011); Cowboys and aliens (Jon Favreau, 2011).

    Mucho se ha hablado sobre si es un buen James Bond o no. Lo cierto es que no deja indiferente a nadie. A mi personalmente me parece uno de los mejores de la saga, con un toque de borde irónico que es más fiel al personaje de novela de Ian Fleming. Además, resulta muy convincente en las escenas de acción (suele rodar él mismo hasta las escenas de riesgo) y en esta película no es menos. Una gran caracterización.
    Además, a Craig le acompañan buenos actores: la veterana Judi Dench encarnando por séptima vez a la severa jefa del MI6, M, en su interpretación más humana de las siete, como lo requiere el guión. Javier Bardem en el papel de Silva, un villano con algo de asqueroso y psicópata obsesionado con acabar con M. Un personaje que recuerda bastante al Joker de El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008), y una de las mejores interpretaciones de Bardem.

    Ralph Fiennes como Presidente del Comité de Inteligencia y Seguridad; y Naomie Harris como Moneypenny en la primera aparición cronológica del personaje redondean el elenco actoral
    La música es una mezcla de innovación y de respeto y uso de la mítica banda sonora compuesta por John Barry, que suena en algunos de los mejores momentos de la película.
    Para los aficionados a las películas de Bond, hay muchos guiños a películas anteriores de la saga: Solo se vive dos veces (Lewis Gilbert, 1967), Solo para sus ojos (John Glen, 1981), o un coche que resultará familiar para los seguidores de la saga.

    Además, aparece el James Bond más personal, que se tiene que enfrentar a sus propios miedos, que ve que su vida puede tambalearse. La vuelta a su Escocia natal, sus recuerdos y temores más profundos salen a la luz.
    En esta entrega, Bond debe ser sometido un poco, salvando las diferencias, a lo que Batman en El caballero oscuro: La leyenda renace (Christopher Nolan, 2012), es decir, un resurgir del personaje volviendo a sus orígenes.
    Para terminar, solo decir que me ha parecido una de las mejores películas de la saga; que ya desde la primera escena, con espectaculares escenas de acción, no te suelta; y que no creo que decepcione a nadie. Muy entretenida, y con la esencia del mismo James Bond de hace 50 años.




CALIFICACIÓN: EXCELENTE

Harry el sucio

FICHA ARTÍSTICA: 
Dirección: Don Siegel
Reparto: Clint Eastwood, Harry Guardino, Andy Robinson, Reni Santoni
Guión: Harry Julian Fink, R. M. Fink, Dean Reisner
Música: Lalo Schifrin
Fotografía: Bruce Surtees

PRODUCTORA: Malpaso y Warner Bros.
GÉNERO: Thriller policíaco
AÑO: 1971

SINOPSIS: Un francotirador asesino llamado Scorpio (Robinson) aterroriza a la ciudad de San Francisco, que cede a su chantaje. Pero el asesino sigue a su juego, y el inspector Harry Callahan (Clint Eastwood) tratará de detenerle con métodos poco ortodoxos...

CRÍTICA: Extraordinaria película que supuso un antes y un después en el género policíaco, mezclado con escenas de acción, rodadas íntegramente por Clint Eastwood, por cierto.
    Su director fue Don Siegel, que colaboró frecuentemente con Eastwood, en películas como La jungla humana (1969), Dos mulas y una mujer (1969), Harry el sucio (1971), o Fuga de Alcatraz (1979). Otras películas suyas son La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) o El último pistolero (1976), un  tributo a John Wayne, una leyenda del cine del Oeste (y más que eso), que se moría de cáncer. Saca partido a Eastwood, ya que es uno de los directores que supieron aprovechar mejor cada una de sus interpretaciones, junto a Sergio Leone. De hecho, el propio Eastwood dedicó su obra maestra Sin Perdón (Clint Eastwood, 1992) a sus dos maestros: Don Siegel y Sergio Leone, así como pequeños homenajes en otras de sus películas. Esto refleja lo bien que se entendieron. Gran trabajo del director para crear tensión en las escenas que lo requieren, que viene a ser casi toda la cinta.

    De Clint Eastwood ya hemos hablado en las entradas de El Bueno, el feo y el malo (Sergio Leone, 1966) y de Gran Torino (Clint Eastwood, 2008). Esta interpretación le catapultó ya de manera definitiva al estrellato, aunque ya de antes venía haciendo grandes trabajos. Aquí da vida al duro y poco ortodoxo inspector de policía Harry Callahan, pegado a su célebre revólver Magnim 44, dando lugar a una de sus interpretaciones más recordadas y tal vez su papel más famoso. Grande en la interpretación, grande en las escenas de acción, y grande en sus habituales toques de humor. Su papel se acerca al del mítico cowboy frecuente en su filmografía. Como siempre, genial.
    Andy Robinson lo cierto es que borda el papel de asesino psicópata, y ofrece una actuación conforme a lo que exige el personaje.
    El guión está plagado de frases lapidarias, giros inesperados, toques de humor estilo Eastwood y un ritmo que deja sin respiración.
    Otro de los grandes aciertos de la película es la banda sonora de Lalo Schifrin, muy recordada por los aficionados, y que nos adentra en las escenas de acción, las de tensión, la turbia ciudad de los bajos de San Francisco... Precisamente, el hecho de que esté ambientada en San Francisco ofrece una buena fotografía.

    Harry Callahan protagonizó otras cuatro películas: Harry el fuerte (Ted Post, 1973), Harry el ejecutor (James Fargo, 1976), Impacto súbito (Clint Eastwood, 1983) y La lista negra (C. Eastwood, 1988). Todas están bien, pero ninguna como la primera de todas.
    Porque esta es una de las películas más entretenidas del género y de mayor calidad. Un ritmo trepidante que mantiene la atención del espectador en todo momento y que gustará a todos, seguro. Magnífica.



CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA

Uno de los nuestros

FICHA ARTÍSTICA: 
Dirección: Martin Scorsese
Reparto: Robert de Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, Lorraine Bracco, Samuel L. Jackson, Paul Sorvino.
Guión: Nicholas Pileggi y Martin Scorsese
Música: Varios
Fotografía: Michael Ballhaus

PRODUCTORA: Warner Bros.
GÉNERO: Mafia
AÑO: 1990
PREMIOS: Premio Oscar al Mejor Actor Secundario (Joe Pesci); 5 Premios Bafta,...

SINOPSIS: Desde niño, Henry Hill (Liotta) aspira a llegar a ser un gángster y vivir como un rey, sin nadie que le diga lo que debe hacer. A los 13 años comienza a hacer algún trabajillo para Paulie Cicero (Sorvino), el capo del barrio. Allí conoce a Jimmy Conway (de Niro) y a Tommy De Vito (Pesci). Poco a poco se va ganando la confianza de sus jefes y va ascendiendo en la Organización...

CRÍTICA: Ya desde la primera escena te haces una idea de que estamos ante una película importante. Imágenes sangrientas de uno de los trabajos de la mafia y una frase lapidaria en off de Henry Hill: "Desde que tengo uso de razón, siempre he querido ser un gángster".
    Y es que esta es una de las grandes, tanto del género como del cine en general. La plantilla, desde luego, es de lujo:
    En la dirección, un experto en la materia de mafia: el gran Martin Scorsese. Tiene en su obra grandes cintas como Malas calles (1973), Taxi Driver (1976), Toro salvaje (1980), El rey de la comedia (1983), El color del dinero (1986), El cabo del miedo (1991), La edad de la inocencia (1993), Casino (1995), Gangs of New York (2002), El aviador (2004), Infiltrados (2006), Shutter Island (2010), La invención de Hugo (2012), etc. Vamos, un crack.

    Además, se juntó con la gente más apropiada. Los actores, porque ojo con sus personajes. Contó con su actor fetiche Robert de Niro, uno de los iconos de Hollywood, y en parte ha llegado a serlo gracias a sus colaboraciones con Scorsese. Hablaremos mucho de este gran actor, por lo que en esta entrada no haremos un extenso repaso a su filmografía. Solo unos pocos apuntes: Su primera gran interpretación fue con Scorsese en 1973, con Malas calles. Tras esto, Coppola le contrató para dar vida al joven Vito Corleone en El Padrino II (1974), un papel de importancia absoluta y por el cual recibió su primer Oscar.
    Otras interpretaciones suyas de la mano de su amigo Scorsese son, además de la película de la que estamos tratando, Taxi Driver, Toro salvaje (por la que recibió su segunda estatuilla), New York, New York; El rey de la comedia; El cabo del miedo; y Casino.
    Se cuenta una anécdota sobre él en esta película. Está basada en hechos reales, así que cuando el verdadero Jimmy Conway, que estaba en la cárcel por los hechos que el mundo entero vio en la cinta, se enteró de que era de Niro quien le daría vida, le hizo muchísima ilusión, y llamaba al actor cada día para darle detalles sobre las situaciones que iba a rodar, cada gesto, cada sentimiento.

    Liotta está muy convincente en su papel de Henry Hill, y es muy interesante comprobar en su propia piel el proceso de auge y caída del personaje, su evolución a lo largo de la película es muy creíble, y ha sabido comprender la esencia del personaje.
    Joe Pesci, que en la ya mencionada Casino tiene un papel bastante similar, está que se sale. Su personaje es un gángster con mucha gracia, pero un asesino sin escrúpulos, con un toque de asesino loco. Su Oscar está más que justificado, ya que ha logrado una interpretación memorable, y que protagoniza algunos de los mejores momentos de la película.
    Por último, destacar a actores secundarios, pero que su presencia se nota y se agradece. Enorme Paul Sorvino como el capo local, con una figura imponente. También Lorraine Bracco y Samuel L. Jackson, a pesar de que este último tenga un papel muy secundario.
    Otro de los grandes aciertos de la película es un guión contundente, claro, directo, como exige el género. Basado en la novela de Nicholas Pileggi, coguionista. A su vez se basó en la historia real que podemos disfrutar en la cinta. Frases como cuchillos y silencios casi peores. Gran acierto la voz en off de Henry Hill rememorando su historia, sirviendo de hilo conductor.

    También hay que destacar algunas de las escenas, que son memorables. La inicial ya la hemos comentado. Otra, como la primera aparición de Jimmy Conway ante un jovencísimo Henry Hill. O la del propio Hill entrando con su novia (Bracco) en un restaurante  por las cocinas disfrutando de los privilegios de su posición: mesa privilegiada, saludos de todos, evitar esperar... Secuencia larga y continua, sin cortes, haciendo un seguimiento de cámara que me parece de lo mejor de la película. Otra de de Niro fumándose un cigarrillo, con la car hecha un poema. Y memorable la escena protagonizada por Pesci en el restaurante, cuando Hill le dice que es un tipo gracioso... Un diálogo maravilloso.
    Además da la casualidad de que es una película entretenidísima, no se hace larga, te deja sin respiración en algunas escenas, y que, en especial para los que somos aficionados al género, es magnífica. Y para quienes no son demasiados seguidores del cine de mafia, también hay que recomendarla, porque la disfrutarán, estoy seguro.


CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA

Titanic

FICHA ARTÍSTICA: Dirección: James Cameron
                                     Reparto: Leonardo Di Caprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates...
                                     Guión: James Cameron
                                     Música: James Horner
                                     Fotografía: Russell Carpenter
PRODUCTORA: Paramount Pictures y 20th Century Fox
GÉNERO: Drama-Romántico
AÑO: 1997
PREMIOS: 11 Premios Oscar, en las categorías de película, dirección, dirección artística, fotografía, vestuario, efectos visuales, montaje, banda sonora, canción, sonido y edición de sonido. Además ganó 4 Globos de Oro.

SINOPSIS: Jack (Di Caprio) consigue un pasaje de tercera clase a bordo del Titanic hacia América. En él conoce a Rose (Kate Winslet), que contraerá matrimonio de conveniencia con el millonario Cal (Billy Zane). Tras tratar de suicidarse, Jack y Rose tendrán un amor imposible mientras el transatlántico se encamina hacia el iceberg, su fatídico destino.

CRÍTICA: Ya comentamos que hay tres películas que ostentan el récord de 11 Oscar: Ben-Hur, Titanic y El señor de los anillos: El retorno del rey. Sin embargo, valorar una película solo por los premios obtenidos es un error grave. De hecho, comparar una obra culmen de la Historia del Cine, como Ben-Hur, con Titanic resulta una ofensa.
    James Cameron es un director que está especializado en dirigir cintas de gran presupuesto, algunas de ellas muy comerciales. Destacan en su filmografía Terminator (1984), Aliens, el regreso (1986), El secreto del abismo (1989), Terminator 2 (1991) o Avatar (2009). En Titanic, Cameron busca ante todo una cinta muy comercial y dirigida a un tipo específico de público (sobre todo de pañuelo fácil). Como dato positivo de su dirección destaca la gran coordinación que hace con tal cantidad de dinero, ya que no es fácil dirigir una superproducción, aunque desde fuera pueda parecer muy sencillo.
    El reparto está encabezado por Di Caprio y Winslet. Leonardo Di Caprio hace en esta película una interpretación muy infantil, como por otra parte es lógico dada su temprana edad y lo pasteloso del guión. Sin embargo, sobre todo a raiz de su colaboración con Martin Scorsese, que comenzó en 2002 con Gangs of New York, logró madurar como actor y llegar a ser lo que es hoy: un actor consolidado como uno de los mejores en activo. Pero en esta película, evidentemente, no lo demostró.

    Kate Winslet está algo por encima en esta cinta, pero tampoco brilla. Nuevamente debemos decir que esta actriz maduraría a su vez, llegando en toda su carrera a estar nominada 6 veces al Oscar, ganándolo en 2008 por The reader, de Stephen Daldry.
    Hablando del guión, es probablemente lo peor de la película. Muy infantil y pastelado, no hay por dónde cogerlo.
    Sin embargo, el gran acierto, para mi, de la película es su banda sonora, compuesta por James Horner. También la canción principal, My heart will go on, del propio Horner e interpretada por Céline Dion. La fotografía está bastante cuidada.
    Como muestra del carácter comercial de la cinta, contó con 200 millones de dólares, siendo la película más cara de la Historia en su estreno, y recaudó más de 2100 millones en todo el mundo.
   
    Con todo esto, hay que decir que la película, aunque tiene algunos aspectos buenos, haciendo un balance general, es bastante deficiente, aunque pueda entretener a un público en su mayoría adolescente.


    CALIFICACIÓN: REGULAR

Ben-Hur

FICHA ARTÍSTICA: Dirección: William Wyler
                                     Reparto: Charlton Heston, Jack Hawkins, Stephen Boyd, Hugh Griffith, Haya Harareet
                                     Guión: Karl Tunberg, basado en la novela del general Lewis Wallace
                                     Música: Miklos Rozsa
                                     Fotografía: Robert Surtees
PRODUCTORA: Metro Goldwyn Mayer
GÉNERO: Aventuras-Épico
AÑO: 1959
PREMIOS: 11 Premios Oscar, en las categorías de película, dirección, actor (Heston), actor de reparto (Griffith), dirección artística, fotografía, vestuario, efectos visuales, sonido, banda sonora y montaje.
Además, se hizo con otros premios, como un Globo de Oro a la mejor película dramática.

SINOPSIS: La acción se desarrolla en tiempos de la ocupación romana de Judea, entre los emperadores Augusto y Tiberio. Judah Ben-Hur (Charlton Heston) es un príncipe judío de conducta irreprochable, y Messala (Stephen Boyd), el recién nombrado tribuno de la provincia. Ambos eran casi como hermanos durante su infancia, pero cuando Messala le pide a Judah que delate a algunos compatriotas partidarios de la violencia y este se niega, la amistad se transforma en un odio profundo entre ambos. Además, la historia tiene como telón de fondo la vida y la Pasión de Jesucristo.

CRÍTICA: Para valorar objetivamente esta enorme película, no podemos centrarnos solo en la enorme cantidad de Premios Oscar logrados. De hecho, ostentó el récord en solitario hasta 1997, cuando Titanic, de James Cameron, le igualó. En 2003, Peter Jackson también lo lograría por El señor de los anillos: El retorno del rey. En este caso, los 11 Oscar de Ben-Hur están más que merecidos, premiando así a una de las mejores películas de la Historia.

    El director Wyler realiza un trabajo extraordinario. No era nada fácil dirigir una superproducción de tal magnitud. Solo gente como él o David Lean eran capaces de coordinar tal cantidad de operarios, técnicos, extras (más de 15000), actores profesionales, además de saber sobreponerse a imprevistos inevitables en un rodaje tan largo y complicado. Y es que el director de filmes como Jezabel (1938), Cumbres borrascosas (1939), La señora Miniver (1942), Los mejores años de nuestra vida (1946), Vacaciones en Roma (1953) u Horizontes de grandeza (1958) era todo un maestro. Y se vio recompensado con 3 Premios Oscar y otras 11 nominaciones. En esta película, cada escena es monumental, cada plano, bien pensado (Wyler era muy perfeccionista), y cada emoción, elegida.
    El reparto es encabezado por Charlton Heston, gran actor, que participó en películas como Cuando ruge la marabunta (Byron Haskin 1954), Los diez mandamientos (Cecil B. DeMille, 1956), Sed de mal (Orson Welles, 1958), Horizontes de grandeza (William Wyler, 1958), El Cid (Anthony Mann, 1961), 55 días en Pekín (Nicholas Ray, 1963), La historia más grande jamás contada (George Stevens, 1965), El tormento y el éxtasis (Carlo Reed, 1965), El planeta de los simios (Franklin Schaffner, 1968), Los tres mosqueteros (Richard Lester, 1973) o Hamlet (Kenneth Branagh, 1996).

    Heston es un gran actor especializado en personajes épicos, aunque no reducidos únicamente a ellos. Es capaz de dotarles de un fuerte carácter heroico, como es el caso de Ben-Hur, un personaje que es un héroe. Para el papel se barajaron otros nombres, como Paul Newman, Marlon Brando o Burt Lancaster, pero, más de 50 años después, es impensable otro Ben-Hur que Heston. Hombre trabajador y responsable, acabó harto de divas como Ava Gardner o Sophia Loren por su impuntualidad, exigencias y niñeces. Además, salvó en otras ocasiones a directores como Orson Welles en Sed de mal, donde la productora ´planeaba expulsar a Welles y Heston aseguró que, de irse Welles, él también se iba. O casi mejor, a Sam Peckinpah en Mayor Dundee (1965), donde, a pesar de discutir fuertemente con el director, llegó a renunciar a todo su sueldo con tal de que Peckinpah continuara en el proyecto. Su vinculación con la Asociación Nacional del Rifle afeó su imagen, pero no su carrera y su espíritu responsable y trabajador.
    El reparto lo completan Stephen Boyd interpretando a Messala, y secundarios de lujo como Jack Hawkins o Hugh Griffith. Interpretaciones muy sólidas para papeles exigentes.
    La adaptación de la novela de Lewis Wallace es muy buena, aunque algunos detalles de la novela se hayan cambiado o adaptado. En cualquier caso, los diálogos son elaboradísimos, adaptados a la trama épico-heroica de la historia, solemnes y magníficos. Como magnífica es también la música de Miklos Rozsa, épica como pocas se han hecho en el cine. El vestuario, la fotografía... todo espectacular en esta gran película.

    Hay escenas extraordinarias, como la batalla naval o la entrada triunfal a Roma, pero pocas pertenecen a la Historia del cine como la carrera de cuádrigas. Para ello, se construyó en Italia un circo con capacidad para más de 10000 extras que asisten como espectadores en la película. Wyler contó con el director Andrew Marton para rodar esta arriesgada escena, que requirió más de tres meses. Heston y Boyd tuvieron que aprender a manejar las cuádrigas, aunque varios dobles les ayudaran en el rodaje.
    Con un presupuesto de 15,9 millones de dólares (astronómico para la época), recaudó 70 millones en los Estados Unidos y otros 90 millones en el resto del mundo. Vamos, éxito arrollador.

   Más que aconsejable, IMPRESCINDIBLE.




CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA

El tren de las 3:10

FICHA ARTÍSTICA: Director: James Mangold
                                     Reparto: Christian Bale, Russell Crowe, Peter Fonda, Ben Foster
                                     Guión: Halsted Welles, Michael Brandt y Derek Haas
                                     Música: Marco Beltrami
                                     Fotografía: Phedon Papamichael
PRODUCTORA: Lionsgate Films
GÉNERO: Western
AÑO: 2007
PREMIOS: Nominaciones al Oscar por la música y el sonido.

SINOPSIS: Ben Wide (Russell Crowe) es el líder de una peligrosa banda que asalta con frecuencia el dinero del ferrocarril. Es capturado y dispuesto para conducirle a la prisión de Yuma. Dan Evans (Christian Bale), un granjero con dificultades económicas, se ve forzado a colaborar en ello para mantener a su familia. Pero la banda de Wide e innumerables peligros no harán nada fácil que lleguen a Yuma...

CRÍTICA: Readaptación de la película homónima de 1957 de Delmer Daves, protagonizada por Glenn Ford.
    Esta película sorprendió a crítica y público con una acción trepidante y un reparto de lujo. El director, James Mangold, hace seguramente la mejor película de su carrera. Se nota una cuidadísima elección de planos, difíciles secuencias de persecuciones de caballos y la genial organización del reparto, tanto principales como numerosos secundarios. Todo esto no hacía fácil el rodaje, pero Mangold resuelve con destreza.
    En cuanto a actores se refiere, es un gran reparto. Ya hemos hablado en Gladiator (Ridley Scott, 2000) de Russell Crowe, por lo que nos centraremos en su papel en esta película. Bien es cierto que aparece un tanto fondón, ya que para su papel de Jack el Afortunado en Master and Commander (Peter Weir, 2003) se le exigió engordar cerca de 20 kilos, y aún se le notaban encima. Sin embargo, está más que convincente en su papel de Ben Wide, un personaje complejo y sanguinario al que, en algún momento puntual, no le falta compasión.

    Christian Bale da vida al granjero Dan Evans. El actor se estrenó en 1987 de la mano de Steven Spielberg cuando aún era un niño, con El imperio del sol. Desde entonces ha madurado mucho, y destaca con interpretaciones en American Psycho (Mary Harron, 2000), Batman Begins (Christopher Nolan, 2005), El truco final (Christopher Nolan, 2006), El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008), Enemigos públicos (Michael Mann, 2009) o The Fighter (David O. Russell, 2010). Por esta último ganó el Oscar y el Globo de Oro. Su personaje en El tren de las 3:10 es además veterano de la Guerra de Secesión y un buen tirador, y con frecuencia se preguntará si en realidad merece la pena arriesgarse a morir por una misión casi suicida. Gran interpretación.
    Otros actores secundarios completan el elenco actoral, como el veterano Peter Fonda, hijo del gran Henry Fonda, o Ben Foster, encarnando a la mano derecha de Wide en la banda.
    La fotografía que recrea los paisajes de Arizona es excelente, así como la banda sonora, que aporta tensión y una gran ambientación para el duelo final, seguramente la mejor escena de la película.

   Es una película muy entretenida, que gustará a los aficionados de western y la acción. Para el que no sea especialmente aficionado al western, que le dé una oportunidad y la vea, porque seguro que le sorprende y le gustará. Más que aconsejable.

CALIFICACIÓN: EXCELENTE

Reservoir dogs

FICHA ARTÍSTICA: Director: Quentin Tarantino
                                     Reparto: Harvey Keitel, Steve Buscemi, Tim Roth, Chris Penn, Michael Madsen, Lawrence Tirney, Quentin Tarantino, Eddie Bunker.
                                     Guión: Quentin Tarantino
                                     Música: Varios (canciones de los años 70)
                                     Fotografía: Andrej Sekula
PRODUCTORA: Live Entertainment
GÉNERO: Gangsters
AÑO: 1992
PREMIOS: Sitges al mejor director y mejor guión, así como premios varios en festivales de cine independiente.

SINOPSIS: Un grupo de gangsters con sobrenombres de colores y que no se conocían previamente entre sí son contratados para llevar a cabo un gran golpe en una tienda de diamantes. Pero el golpe sale mal, hay muertos, heridos, desaparecidos, y existen sospechas de que uno de ellos es un traidor...

CRÍTICA: Esta película se ha convertido por méritos propios en un film de culto para millones de espectadores en todo el mundo. Y es que nada parecía suponer en 1992 que un tal Tarantino iba a cambiar el cine con esta película y con las que siguen en su filmografía.
    La estética de Tarantino se basa en guiones complejos, diálogos duros, escenas de violencia abundante y de un cuidado montaje. Esta película resume perfectamente su estética, y es un claro ejemplo de su forma de entender el cine. Esto está tomado en gran parte del spaghetti western, del que Tarantino es gran aficionado, en particular del que considera su maestro, Sergio Leone, director de la que considera "la película mejor dirigida de la Historia", y su película preferida. De hecho, Tarantino estrenará entre finales de 2012 y principios de 2013 Django Unchained, un spaghetti western  que seguro que estará a la altura de los fans de Tarantino.
    Para este trabajo, Tarantino contrató a Harvey Keitel, actor de relevancia en la década de los 70 y un tanto desaparecido desde entonces. Tarantino le recupera para la fama, volviendo a colaborar juntos en 1994 con Pulp Fiction. También lanzó a la fama a Tim Roth y a Steve Buscemi, poco conocidos por entonces. Contó con la veteranía de Lawrence Tirney como el jefe de la banda, y se reservó un papel secundario para sí mismo. Hay que decir que todos bordan sus trabajos.
    Tarantino volvió a darnos grandes películas como director, como Pulp Fiction (1994), Four Rooms (1995), Jackie Brown (1997), Kill Bill (Vol. I y II) (2003, 2004), Sin city (2005), Death Proof (2007) o Malditos Bastardos (2009).

    Es impresionante cómo es capaz, en cuanto a guión se refiere, de concentrar la acción de la mayor parte de la película en una misma sala. Algo que podría, así dicho, parecer cansino termina siendo un acierto genial, ya que el tratamiento que Tarantino hace del espacio es técnicamente perfecto, ya que sabe alternar momentos de clímax con calma argumental y dialéctica, con lo que nunca se hace repetitivo. Otro aspecto de este guión de 10 es que la acción no sigue una estructura lineal, sino que da numerosos saltos hacia alante y atrás en el tiempo, con complejidad, pero que no resulta apabullante. Por último, los diálogos son magníficos, repletos de menciones a las películas que le encantan a Tarantino, como La gran evasión (John Sturges, 1963), así como alguna referencia a Lee Marvin. Todo esto hace de este un guión modélico.
    La música que acompaña a la película es un compedio de canciones de los 70, muy mencionados en el filme, tales como Little green bag, de Georges Baker.
   Esta película contiene algunas escenas memorables, como la inicial, en la que los protagonistas charlan mientran desayunan (con temas alejados de la acción, como las propinas, que se hacen muy entretenidos), la escena en la que marchan para el trabajo (con el tema de Georges Baker de fondo), o el final, donde la acción llega a un clímax enorme.
   
    Todo ello implica el genial trabajo de Tarantino como actor, director y guionista, que nos ha dado una película de culto que es muy entretenida y que hace imposible levantarse hasta que termina.

CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA


   

Seven (Se7en)

FICHA ARTÍSTICA: Director: David Fincher
                                     Reparto: Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey
                                     Guión: Andrew Kevin Walker
                                     Música: Howard Shore
                                     Fotografía: Darius Khondji
PRODUCTORA: New Line Cinema
GÉNERO: Thriller
AÑO: 1995

SINOPSIS: El teniente de policía Somerset (Morgan Freeman) apura sus últimos días antes de su jubilación mientras coincide con su relevo, el joven David Mills (Brad Pitt). Son de caracteres opuestos: la experiencia frente a la impulsividad. Pero se verán obligados a entenderse ante la amenaza de una serie de crímenes que tienen por base los siete pecados capitales: gula, avaricia, pereza, lujuria, soberbia, envidia e ira. Tendrán que correr contrarreloj para resolverlos antes de que el asesino culmine su obra...

CRÍTICA: Uno de .los mejores thrillers de la historia, sin duda.
    El trabajo de David Fincher es extraordinario. Sabe mantener la tensión en las escenas de acción, la intriga cuando corresponde y manejar con soltura a dos grandes actores, además de secundarios de lujo.
Su carrera comenzó con Alien 3 (1992), película muy criticada por los fans de la serie. Pero remontaría el vuelo, y de qué manera, con esta gran película, y con otras como El club de la lucha (1999), Zodiac (2007), El curioso caso de Benjamin Button (2008) o La red social (2011), por estas últimas sería candidato al Oscar.
    Además, está el reparto. Morgan Freeman, actor de una larga filmografía. Destaca, además de por esta, por Paseando a Miss Daisy (Bruce Beresford, 1989), Sin Perdón (Clint Eastwood, 1992), Cadena perpetua (Frank Darabont, 1994), Million Dollar Baby (Clint Eastwood, 2004), por la que obtuvo un Oscar; Batman Begins (Christopher Nolan, 2005), El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008) e Invictus (2009). Su interpretación rebosa de la veteranía y la serenidad necesarias para su papel.

    Brad Pitt, entre cuyas interpretaciones destacan Entrevista con el vampiro (Neil Jordan,1994), El Club de la lucha (David Fincher, 1999), Snatch, cerdos y diamantes (Guy Ritchie, 2000), Ocean´s Eleven (Steven Soderbergh, 2001), El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (Andrew Dominik, 2007), El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher, 2008), Malditos Bastardos (Quentin Tarantino, 2009) o El árbol de la vida (Edward Dmytryk, 2011). En este film es impulsivo, rápido, el contrapunto de Freeman. Gran interpretación en la que Pitt se mete de lleno en la psicología de Mills y en sus ganas de atrapar al asesino.
    El guión es extraordinario, de lo mejor, si cabe, de la película. Da unos giros argumentales sorprendentes, unos diálogos magníficos y una oplanificación perfecta. Al ambiente de thriller contribuye la música de Howard Shore, que hizo trabajos magníficos en El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1991) y en la trilogía de El señor de los anillos.

    Así, esta es una gran película que no solo es que merece ser vista, sino que DEBE verse, en especial por su magistral guión. Resulta, además, muy entretenida. El espectador no se podrá levantar del asiento durante sus 127 minutos de duración.


CALIFICACIÓN: EXCELENTE

Gran Torino

FICHA ARTÍSTICA: Director: Clint Eastwood
                                     Reparto: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her...
                                     Guión: Nick Schenk
                                     Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens
                                     Fotografía: Tom Stern
PRODUCTORA: Warner Bros Picture/ Malpaso Productions
GÉNERO: Drama
AÑO: 2008
PREMIOS: Diversos premios de crítica, como National Board of Review al mejor actor (Eastwood) y mejor guión original.

SINOPSIS: Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un veterano de la Guerra de Corea afincado en un barrio de mayoría inmigrante, hacia la que es reacio. Tras una vida trabajando para la Ford, su máxima ambición es seguir cuidando su Gran Torino del 72. Alejado de su familia, recientemente enviudado, Kowalski vive pensando en sus errores del pasado y en la Guerra en la que luchó, identificando un poco a sus vecinos asiáticos con sus enemigos del pasado. Pero la presencia de su vecino, el joven Thao, le hará cambiar poco a poco...

CRÍTICA: Extraordinario Clint Eastwood tanto delante como detrás de las cámaras. Puede que sea su papel más personal, ya que Kowalski es, en definitiva, un trasunto de sí mismo: veterano del Ejército,  viejo, algo cascarrabias...  Además, en esta película intervienen dos de sus ocho hijos: Kyle compone la banda sonora, y Scott tiene un papel secundario (Kowalski le denomina "irlandés lechoso"). Todo ello explica la importancia que esta película tiene a nivel personal para Clint Eastwood.
    Como director, vuelve a encantar a crítica y público. Ya ganó el Oscar al mejor director con anterioridad en dos ocasiones: en 1992 por la magistral Sin Perdón y en 2004 por la célebre Million Dollar Baby. En esta ocasión, no resulta exagerado decir que merecía, ya que la elección de todos y cada uno de los planos es excelente, en particular en los momentos de mayor carga dramática, como en los últimos 15 minutos del filme. Como siempre, grande Clint Eastwood en su puesto de director.
    Y no es menor, desde luego, su mérito como actor. Podemos decir que, interpretativamente hablando, Eastwood nació en el desierto almeriense, rodando la llamada Trilogía del dólar con Sergio Leone, formada por Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966), de la cual hemos hablado ya.
    En los 70, adoptaría el rol de Harry Callahan en la gran saga de Harry el sucio,  junto a otros trabajos como El fuera de la ley (Clint Eastwood, 1976) o Escape de Alcatraz (Don Siegel, 1979). De los 80, destaca El jinete pálido, de 1985, con él como director, como en 1986, con El sargento de hierro.

    Se consagra como actor en 1992 con la ya citada Sin Perdón, por la que obtuvo una nominación al Oscar al mejor actor. Repetiría nominación en 2004 por Million Dollar Baby. Otro trabajo reciente como actor a destacar es Poder absoluto (Clint Eastwood, 1996).
    Además, exclusivamente como director están Mystic river (2003), Banderas de nuestros padres (2006), Cartas desde Iwo Jima (2006), Invictus (2009) o J. Edgar (2011), injustamente apartada de los Oscar.
    A pesar de que Eastwood anunció su retirada de la actuación tras Gran Torino, parece que en 2012 protagonizará Trouble with the Curve. Una suerte para el cine.
    En Gran Torino, Eastwood posee una enorme capacidad para reflejar la naturalidad que hace falta. No hace falta la expresividad propia del Actor´s Studio, sino una sencillez que esconde una interpretación memorable.
    La cuidada fotografía, la magnífica balada musical de su hijo Kyle y unos diálogos maravillosos y marcados frecuentemente por el característico humor de Eastwood, hacen de esta película una de las mejores de la década y un nuevo ejemplo de lo grande que es Clint Eastwood. Les gustará, estoy seguro.

CALIFICACIÓN: OBRA MAESTRA